김정한(Jung Han Kim, www.kimfineart.com)의 그림놀이터

Wayne Thiebaud, Cake bell, 17 5/8 x 18 7/8 inches, oil on wood, 2009, Courtesy of Paul Thiebaud Gallery, San Francisco.

어처구니 없이, 혹은 예상치 못했던 많은 일들이 짧은 기간에 일어나는 경우가 생기면, 침착한 사람도 자기가 무엇을 하는 지 모르면서 무언가를 하게 된다.  그러다 그 기간이 물론 다른 여느 날들처럼 지나간다.  그 후 남게 되는 것은 먼지가 뒹굴고 있는 마루바닥.  먼지처럼 마음에 쌓여져 있는 감정들.

지난 몇 주가 그랬다.  갑작스런 친구의 죽음(어디에 계시든 평안하게 쉬시길).  예상치 못했던 여러 가지 사건들로 정신도 차리지 못하고 여기 저기를 돌아다니다 돌아온 LA로의 주말여행.  침착해 보려고 노력했던 덕분에 딱딱하게 굳어 지냈던 시간들이었다.  와중에 평화로웠던 시간은 이런 저런 갤러리들에서의 몇 시간들. 

놀스 비치(North Beach)에 자리잡고 있는 폴 티바우 갤러리(Paul Thiebaud gallery)가 새로운 장소(645 Chestnut Street, San Francisco)로 이전하여 문을 열며 6월 27일까지, 웨인 티바우(Wayne Thiebaud,)-작고한 리차드 디벤콘(Richard Diebenkorn)과 함께 캘리포니아를 대표하는 화가로 생각되는 까닭에 많은 사람들이 아직까지 살아서 작업을 하고 있다고 생각하지 않는-의 새로운 그림들을 전시하고 있다.  전시의 이름은 “과자 기억들(Confection Memories)”.  웨인 티바우는 갤러리 주인 폴 티바우의 아버지다. 

웨인 티바우는 1920년에 태어나, 1938년부터 49년까지 상업미술가로 일하며, 간판, 일러스트레이션, 카툰 등부터 할리우드 영화 스튜디오의 미술가로도 활동했다.  1949년부터 50년까지 샌 호세 주립 대학(San Jose State University), 1950년부터 1953년까지 새크라멘토에 있는 캘리포니아 주립 대학(California State University)을 다닌 그는 1960년대에 케이크, 사탕 등을 주제로 그린 그림들로 유명해진다.  그 그림들은 그 당시부터 생겨나기 시작한 중산층을 겨냥해 그려졌고, 아이러니컬하게 그 그림들은 이제 중산층들이 꿈도 꿀 수 없는 가격들로 거래되고 있다.  그런 측면은 앤디 와홀(Andy Warhol)을 연상시킨다.  또한 가게 창문에 진열된 듯한 티바우의 그림들 속 케이크, 사탕 등은 팝 아트(Pop art)에서 보여지는 상품에 대한 시선의 전조로 보여진다.

1960년대에 자신이 그린 과자들을 기억하며, 그 기억을 바탕으로 같은 대상을 그린다는 것은 굉장히 흥미로운 발상이다.  마치 어린 시절 그렸던 그림 일기장을 몇 십 년이 지난 후 다시 그리는 것 같다.  갤러리의 크기가 그렇게 크지 않지만, 옛날의 사탕과 새로 그려진 사탕, 옛날의 케이크와 새로 그려진 케이크 사이에 있는40년이라는 시간이 놓여있다.  그 40년 동안에 팝 아트, 행위 예술, 컨셉츄얼리즘,  미니멀, 비디오 아트, 포스트모더니즘 등이 놓여져 있다. 

전시를 보고 난 후, 시간이 좀 지난 후, 머리 뒤쪽에서 떠오르는 생각: 무려 40년 동안 그림을 그려왔기에, 앞서 열거된 커다란 장르들을 간단하게 뛰어넘으며 다시 과자 그림들이 표면으로 등장할 수 있었다.  그러고 보니 전시장에서의 그 이상하게 초연하고 담담한 과자들은 이제 나의 상상 속에서 그 형형한 색들이 광원으로 변하며, 새로운 세계를 열어내는 달콤한 열쇠들이 된다.    

2009 4월 26일

노상균, 숭배자들을 위해서, 머리: 84.5x69x46.5 Cm, 손 1: 75x44x51 Cm, 손2: 77x40x46 Cm, Sequins on polyester resin and fiberglass, 2008. 사진 노상균. 사진과 작품의 저작권은 작가에게 있음.

3월23일 저녁 7시 30분부터 8시 30분 까지, 러시안 아방가르트, 소련 포스트모던 미술과 문학의 전문가로 국제적 명성을 얻고 있는 보리스 그로이스(Boris Groys)의 강연이 열리고 있는 샌프란시스코 아트 인스티튜트(San Francisco Art Institute, 800 Chestnut Street) 의 강의홀에 앉아 있었다.  그로이스는 철학자, 수필가, 미술 평론가, 그리고 미디어 이론가란다.  그의 글은 프랑스 후기구조주의와 러시아 철학의 근본적 차이를 합친단다.  휴우~.  그 밖에도 여러 가지 다른 커다란 직함들이 그의 이름 앞 혹은 뒤를 따른다. 

        강의의 주제는 ‘현대 종교와 디지털 영상’이었다.  그로이스가 처음 말문을 여는 순간부터 끝날 때까지 두 가지가 생각되었다.  하나는 그의 액센트: 유럽에 사는 러시아 사람의 액센트.  덕분에 심오한 강의가 더욱 더 난해해졌다.  하지만 그것이 기분 나쁘지 않았던 이유는, 개인적인 경험 때문이다.  나 또한 대학에서 진한 한국 액센트를 사용하며 강의를 하고 있으니까.  진부한 이야기지만, 중요한 것은 액센트가 아니라, 어떤 내용 즉 가치를 담고 있는 이야기를 하는 가 하는 것이다.

두 번째는 학계와 현실의 차이.  학자로서 그로이스가 바라보는 세상은 그가 공부한 이론들을 통해 굴절되어 비춰지는 이미지이다.  점 더 새로운 이론이 아니어서 조금은 실망스러우면서도, 그와 다른 한편으로 실망보다 더 크게 반갑고 편안하게도, 그로이스는 발터 벤야민(Balter Benjamin)이 1930년 중반에 쓴 글 -기계복제 시대에 예술작품(The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction)-과 마샬 맥루한(Marshall Macluhan)의 미디어 이론을 기반으로 주제를 펼쳐나갔다. 

이 때쯤에서 들었던 생각은 ‘그로이스가 가 사용하는 벤야민과 맥루한의 이론에 그로이스만큼 익숙한 사람들이 강의실에 몇 명이나 있었을까?’ 하는 것이었다.  그리고 이글을 읽는 사람들 중에는 몇 명이나 있을까?  극소수라고 답해도 틀리지 않을 듯싶다.  그렇다면 그로이스 혹은 강연 주최측에서는 그의 강연 중, 혹은 강연 전에 미리 청중들에게 벤야민과 맥루한에 대한 이야기를 풀어놓았어야 할 법하다. 

똑 같은 실수를 반복하지 않기 위해서, 독자께 청한다.  위에 언급한 발터 벤야민의 에세이과 마샬 맥루한의 책 ‘미디움은 메세지다(medium is message)’를 시간 나실 때 한 번 읽어보시길.  독서 경험이 현대 미술과 문화를 이해하는 데 큰 도움이 될 것 보장한다.  책을 보기 전에 마샬 맥루한이라는 사람이 얼마나 창조적이고 이색적인지를 맛보고 싶다면, 유튜브에서 그의 이름을 검색해서 직접 그의 이야기를 들어보는 것도 한 재미다.

        이쯤에서 간단하게 그로이스의 강의를 요약하면, ‘비디오를 통해 전파되는 현대 종교는, 복제의 복제를 거듭하며, 때로는 의도적으로 때로는 우발적으로, 권위를 확장시킨다’ 였다.  따라서 그 과정과 현상의 관찰을 통해서, 개인이 할 수 있는 행위는 다음과 같다: 한 개인이 어떤 식으로 기존에 이루어지던 반복을 거부하고, 새로운 가치-그것이 무엇이든-를 스스로 결정해서 그 가치를 실행하는 행동을 반복하면 권위를 갖출 수 있게 된다, 마치 현대 종교가 그렇듯이.  강의와 연결된 전시는 뒤따르는 홈페이지에서 보여진다: http://www02.zkm.de/mediumreligion/   전시는 그로이스

요약을 하고 나니 연상되는 문장은 카르마를 강연하던 지금은 이름을 까먹은 한 인도인의 문장이다: 혼자 꾸는 꿈은 단지 꿈이지만, 모두가 꾸는 꿈은 현실이다(A dream that you dream is just a dream but a dream that everyone dreams is a reality).

사진 설명: “다양한 인상들: 베이 지역 추상(Diverse Impression:Bay Area Abstracttion)”이 열리는 트라이턴 아트 뮤지엄(Triton Museum of Art)내부. 왼쪽부터 , '떠다니는 꿈(Floating Dream)', ‘떠다니는 은(Floating-sliver)’, ‘이른봄(Early Spring)’. 사진 김정한. 그림 저작권은 화가 원미랑에게 있음.

트라이턴 아트 뮤지엄(Triton Museum of Art, 1505 Warburton Ave. Santa Clara)에서는 5월 17일까지 “다양한 인상들: 베이 지역 추상(Diverse Impression:Bay Area Abstracttion)”이라는 이름으로 일곱 명의 화가들의 그룹전이 열리고 있다.  그들 중 한 명이 한국인 중견화가 원미랑이다.  전시장에 걸린 화가의 작품 세 점, '떠다니는 꿈(Floating Dream)',‘떠다니는 은(Floating-sliver)’, 이른봄(Early Spring)’, 앞에 놓인 벤치에 앉아서 화가와 한 시간을 보냈다.  

          세 점의 작품들은 모두 제한된 색상을 배경으로 한다.  예를 들자면 열 개의 패널들로 만들어진 작품 ‘떠다니는 꿈(floating Dream)’ 에는 묵은 한지에서 볼 수 있을듯한 나이든 연한 노란색과 침착하게 가라앉은 회색, 깊이를 알 수 없지만 단호한 검은 색들이 배경을 차지하고 있다.  제한된 배경색들 위로 수 백 수 천 개의 셀 수 없이 많은 선들이 그어져 있다.  당연하다는 듯 선들의 색 또한 깊은 생각과 태도로 걸러진 제한된 색상들이다.  그 색들은 선들이 그어지고, 겹쳐지며 깊이를 획득하고 형태(원(球))를 이뤄간다.  색상들에서는 적은 것이 많은 것(Less is more)라는 미니멀리즘의 미학이 연상되지만 선들이 가지고 있는 많은 움직임들과 에너지에서 표현주의적인 인상을 지울 수 없다.  

‘떠다니는 은(Floating Sliver)’ 은 세 점의 작품들 중 중간에 놓여져 있다.  작품은 두 개의 패널로 이루어져 있다.  개인적으로 이 작품이 가장 마음에 다가와서 이유를 곰곰이 생각해 봤다.  좌측 패널의 확신에 찬 은색이 가로지르는 공간 하나.   상대적으로 멀리 놓여진 원들(좌측 패널)과 눈 앞으로 확 다가온 원의 표면(우측 패널)이 빚어내는 두 번째 공간.  다가온 원의 표면에 앉아 있는 작고 밀도 높은 강렬한 검은 조각들(너무 무거워서 원의 표면을 찌그러뜨릴 것 같은 이 조각들은 원을 만드는 선들이 얼마나 강하게 표면을 받치고 있는 지를 보여준다)이 만들어내는 울렁거림.  열거된 세 가지 요소들이 엉키며 펼쳐내는 큰 공간은 오랫동안 그림을 바라보게 만들었다.  

'이른 봄(Early Spring)'은 다른 작품들과 마찬가지로 셀 수 없이 많은 선들로 이루어진 작품이지만 차분하고 조용히 가라앉아 있다.  그리고 아주 작은 공간이 열리며(이때 제목이 머리 속에서 겹쳐진다), 앞서 보았던 두 작품에서 찾아볼 수 없는 선명하고 진한 색채가 번져 나온다.  그 색채들의 이질감과 갑작스러움이 앞으로 다가올 새로운 무엇인가를 기대하게 한다.  혹은 위에 언급된 세 작품들과 병렬져 있는 화가의 꽃 씨리즈에 담겨지는 공간으로 열려진 문일 수도 있겠다. (화가의 꽃 시리즈는 지금 샌프란시스코 대학(University of San Francisco) 로스쿨 안의 로턴다 갤러리(Rotunda Gallery)에 걸려져 있다.)

며칠 동안 한 화가의 작품들을 쫓아다니며 바라보고, 그 화가와 이야기를 나누는 일련의 과정들은 흡사 한 소설가의 작품들을 모두 읽어내려 가는 것과 비슷하다.  공통적으로 많은 사람들이 느끼는 평이한 일상의 경험들이 개별적인 예술가(화가 혹은 소설가)에게 특정한 이미지를 남기는 과정.  그 과정에서 보여지는 일상과 예술가의 관계를 읽어내는 것은 흥미롭다.  그 관계는 다시 예술 작품(그림 혹은 책)을 보는 당신이 일상생활과 빚어내는 관계와 병렬적으로 놓여지고, 세상이 얼마나 흥미진진한 것인 지를 깨닫게 한다.  늘 그렇듯 새삼스럽게 말이다.